梵高的艺术作品特点？

这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类” (奥夫沙罗夫编《凡高论》上海人民美术出版社，1987年，第95页)。

为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。王逸竹的《梦中梦》里有一段话评价梵高：“我能理解你，梵高先生，你的表现方式和我们中国写意画有本质上的一致性，在似与不似之间，充分表达自己灵魂的感受与艺术审美取向。你的色彩和意象完全独立于主流之外，是当时人们难以接受的，你不但不妥协，反而更加强烈得突出自己的特点，您甘愿忍受常人难以忍受的贫苦，描会着真实的自我情感，我为你的执着而感动，为你的品德而折服。”

早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。

梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。

油画技法使用点彩画法。早年因学习传统绘画技法，画面色彩并不明快，后来受新艺术流派影响以及个人气质使然，画面变得色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。

当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。同时对现代人也有着积极的影响。

画面色彩强烈，色调明亮。野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。

梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。

梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”.

梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。

印象主义：

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。

梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。

梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。e69da5e887aae799bee5baa6e997aee7ad9431333335313837而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。

表现主义：

梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。

尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但他们的个人性格特点又有某些不同。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。崇尚自由主义多一点吧！不受约束梵高荷兰后印象派画家。绘画以其对生活的热烈渴

望开辟出一个艺术的新天地。他是表现主义的先驱，

并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国

表现主义。感情层面：热情，狂热

技法：一笔一笔的 大笔，粗笔，厚涂

色彩：青莲 群青湖蓝 土黄 用得很多。大面积地用

造型：扭曲，变形，夸张

题材：风景花卉比较多。尤其是花朵。高大上，高端大气上档次

江宏伟的作品分析

存在于江宏伟作品中的象征性主要表现为时间特征。有位批评家曾这样说过：江宏伟对宋画的迷恋事实上是使自己对时间的迷恋有一个依托。迷恋宋画只是一个幻象。通过对宋画的观察，他找到了自己完成时间之梦的方法。江的艺术关心的唯一主题是时间这个存在的神秘。生活中的江宏伟对时间有着一种病态的敏感。作为一个画家，他经常外出对景写生。在与自然无言的对话中他终于测摸到时间的脉搏，更能从春去秋来，花开叶落的季节更替中感受到巨大的时间压力。这种挥之不去的心理症结也同样出现在画室里的江宏伟身上。他从每日不断重复的一勾一描一染一擦中体验到的不是一幅作品朝着完成状态的进步，而是时间一分一秒流逝。不断地进入幻觉世界是他创作时常备的精神状态，也是他逃避感受时间的秘密武器。他在一篇随感中曾这样写道：一瓣瓣花叶的勾描，一片片羽翼的渲染，让我处于纯粹社会的空白状态，空白到麻木的境地，思维停滞了，各种欲望回到睡眠之中，如此一小时一小时地逝去，我在麻木中得以解脱………

江宏伟最初为画界和批评界注意是在北京举办的《八人工笔重彩花鸟画展》上。随后，他频繁地在一些重要的展览会上出头露面，并以其作品特有的那种幽深静谧的美感和古朴超然的意境，在当代工笔花鸟画坛上占据了不可替代的一席之地。

追寻江宏伟艺术风格的渊缘，许多批评家几乎都把目光定格在宋代的工笔花鸟画上。在那个时代，因为一个帝王的爱好和参与，使得这一画种成为许多画家趋之若鹜的时尚，而这一时尚最终成为中国绘画史上光彩夺目的一笔。江宏伟经常在他的言谈、书信和文章中情不自禁地表现出他对宋画的偏好，他的许多作品也的确透射出宋人古典审美的高尚情趣。但在我看来那种把江宏伟的工笔花鸟画简单地看作是对宋画的复兴或介于宋人工笔和文人意趣间的穿游往来，抑或看作是抽截宋画的局部衍出一种新的图式的观点，并未触及到画家艺术的核心。

事实上，江宏伟对宋画的认识与理解是基于这样一个逻辑起点：宋代花鸟画的真正创造者是宋人加上时间。当然，这是一个现代画家对宋画的现代面目所下的审美判断。在这里我们至少认识到画家关心的不仅仅是宋画原有的图式和意趣，他还对原本不属于宋画的时间痕迹予以特别的关注。而且这种关注始终贯穿于他到目前为止创作的所有作品之中。可以说，时间因素成为打开通向其艺术核心的一道咒语。

时间的流逝原本只会给物质带来陈旧、破损、销蚀甚至死亡，然而那些留有时间痕迹的陈旧、破损、销蚀和死亡的物质常常会具有一种特殊的审美价值。我们不应忽视画家对宋画在这层意义上的领悟。否则，我们也就难以理解他作品中的象征意义，从而影响到对他作品的真正释读和把握。其实，这种郢书燕说的效应也存在于域外的艺术作品中。艺术史告诉我们，古代希腊的雕刻大都涂有颜色。现在，当我们面对希腊遗存的最优秀的作品时，那种特殊的简朴洁白的色泽之美，又因带些残缺和死亡的气氛而显得格外的高洁和悲壮。这种现在支配和影响着我们感官情绪和审美判断的因素并不是出自希腊艺术家的原有意图；古希腊的神殿同样在废墟中也有着一种月光般的魅力。事实上，我们现在从中所体验到的美感在这些作品美妙的青春时代肯定是不存在的。

对江宏伟工笔花鸟作品的研究不能只局限于画家至诚地热爱并深入地研究宋画这一古代时限，更应该注意到他的现实背景：受过正规现代学院式教育并长期在艺术学院从事艺术教学。认为一个多元、交流、开放的现代社会对他产生的影响是不可忽视的。江宏伟对西方从古至今的大师们有着同样的敬意。他作品中的那些梦幻般的色彩以及各种用以营造氛围的手段，与其说是对传统技法的继承发扬，倒不如说是受西方艺术的影响。也许正是画家无数次的从幻象到现实、从古代到当下、从域外到国中这种在时空上瞬息转换的精神体验，触发了他最终用绘画去捕获时间的灵感----他试图浓缩时间并替代时间留下时间的痕迹。因此，我认为江宏伟艺术的起点是宋画，而终点则存在于他尚在进行的精神旅行之中。